Museos consideran formas de involucrar personas en el mismo arte

Richard Diebenkorn, mujer en un pórtico, 1958; óleo sobre lienzo.
La Fundación Richard Diebenkorn / Cortesía de SFMOMA.

Un artículo en The New York Times el mes pasado destacó la preocupación de los curadores de museos y los planificadores de eventos sobre la búsqueda de maneras de hacer obras de arte accesibles para el público.

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El director del Museo Peabody de Harvard ha recurrido a la ciencia del cerebro para encontrar pistas sobre cómo maneja el arte o, como suele fallar, al no lograr encender la imaginación y los centros de placer del público.

A mi juicio, el giro a la neurociencia es una abdicación de la verdadera misión del museo, que no es causar que esto suceda en el cerebro de los visitantes desprevenidos, sino más bien dar a los individuos motivados, interesados y curiosos, la oportunidad de apreciar lo que se esta mostrando. Lo que no quiere decir que sea una tarea fácil.

¿Cuántas veces has entrado en una galería en un museo y simplemente, bueno, simplemente seguiste adelante, para llegar a la última parada, (la cafetería o la librería), en lugar de participar en el duro trabajo de llegar a SABER Y CONOCER – realmente percibir – el arte a lo largo del camino?

En una gira a finales de 2015 y la primera parte de 2016 con mi libro sobre el arte, Strange Tools, tuve la oportunidad de conocer gente de museos de todo el mundo. Una y otra vez escuché mientras expresaban esta preocupación: cómo hacer que el trabajo funcione para personas de diferentes orígenes, diferentes conocimientos, diferentes motivaciones.

Nuevas tecnologías en los Museos

Las instituciones toman decisiones diferentes. SF MOMA, por ejemplo, ha recurrido a las nuevas tecnologías digitales, habilitadas por GPS para proporcionar experiencias basadas en aplicaciones de los materiales del museo. La aplicación sabe dónde está y qué hay para ver – y le ofrece texto, vídeo y narrativa para ayudarle a ver qué hay. (Realmente fui contratado por SF MOMA para trabajar en este proyecto, me encantó hacerlo, nunca lo he escuchado.) Otros museos, como The Met en New York City y Tate de Londres, también están explorando el uso de aplicaciones Para ir más allá del tradicional con el audio-guiado.

Pensé en todo esto mientras veía la maravillosa exposición de Matisse / Diebenkorn ahora en exhihición en SF MOMA. El espectáculo es emocionante. Henri Matisse es un gigante familiar, uno de los puntos cardinales de nuestra brújula artística. Lo sorprendente es que Richard Diebenkorn, que creció en San Francisco, brilla de igual manera. Matisse parece clásico, pero también esbelto en su interior, oscuro y un poco voyeurista, junto a los gigantescos espacios de pintura al aire libre de Diebenkorn.

La lógica de la comparación es convincente. Matisse era uno de los héroes de Diebenkorn; Los encuentros de Diebenkorn con la obra del artista principal hicieron una impresión, no sólo en la rumia del artista más joven, sino también en la obra misma. Por ejemplo, cuando Diebenkorn se volvió a la representación en 1955, poco después de ver un espectáculo del trabajo de Matisse en Los Ángeles, debe haber parecido obvio que Matisse estaba ejerciendo una influencia. Las combinaciones de colores, la escala – y también la elección del tema – parecían tomarse de Matisse.

No es que alguien confunda a un Diebenkorn con un Matisse

Henri Matisse, Notre Dame, A Late Afternoon, 1902; Aceite sobre papel sobre lienzo. Sucesión H. Matisse / Sociedad de los Derechos de los Artistas / Cortesía de SFMOMA

La decisión de enmarcar la obra grande, generosa, libre y espaciosa de Diebenkorn como diálogo con la pintura europea muy diferente de Matisse fue una de las decisiones curatoriales tomadas para tratar la pregunta básica con la que comencé: ¿Sobre el desafío interpretativo de dar sentido a la pintura?

Diebenkorn era un pintor educado, y su interés en – y la respuesta a – Matisse está bien documentada. Sin embargo, hay algo arbitrario y efectista sobre este espectáculo. La historia de la influencia de Matisse en Diebenkorn nunca es más que una buena historia, un gancho para mantener a un público interesado hasta que puedan encontrar una manera de notar o ser atrapados por la obra misma.

Siendo honesto, puede ser una buena historia, un truco, es justo lo que cualquier presentador requiere para permitir a un visitante relajarse, abrirse y sumergirse en el arte.

Autor de la nota:

Alva Noë es un filósofo de la Universidad de California en Berkeley, donde escribe y enseña sobre percepción, conciencia y arte. Es autor de varios libros, entre ellos su último libro, Strange Tools: Art and Human Nature (Farrar, Straus y Giroux, 2015). Puede mantenerse al día con más de lo que Alva está pensando en Facebook y en Twitter: @alvanoe.

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